La historia detrás del tema
En 1978, mientras el país vivía bajo un régimen de silencios forzados y desapariciones, el pianista y compositor Juan José Mosalini lanzaba “El mapa de los ausentes”, un álbum grabado en secreto en un estudio de Montevideo, con la ayuda de músicos exiliados y una sola pista de grabación analógica. No era un disco de protesta directa, ni tenía letras que nombraran a los militares. Era un puente sonoro entre lo que se había perdido y lo que aún se atrevía a existir. Cada pieza, compuesta en los meses previos a su partida de Argentina, llevaba el nombre de un barrio, una calle o un río que ya no podía recorrer: “Calle Corrientes sin tránsito”, “El Riachuelo que no vuelve”, “La plaza que olvidó los gritos”. Mosalini, quien había tocado en salas de tango y teatros de vanguardia en Buenos Aires durante los años sesenta, decidió que el piano —su instrumento de siempre— sería el único testigo. Sin percusión, sin cuerdas, sin voces. Solo el piano, a veces con un leve eco de una grabación de radio de fondo: un fragmento de “La cumparsita” que alguien había captado en una emisora uruguaya, casi inaudible, como un susurro de memoria.
El disco se distribuyó en copias caseras, en cintas de cassette que pasaban de mano en mano entre familias que se reunían en silencio para escucharlo. Algunas personas lo ponían en la cocina, mientras preparaban el mate, y lo dejaban sonar hasta que el sol se ponía. Nadie hablaba durante la escucha. Nadie necesitaba hablar. La música no explicaba el dolor, lo habitaba. Mosalini nunca dio entrevistas sobre el disco. Solo dijo, en una carta enviada a un amigo en 1980, que “el silencio tiene tonos, y algunos son más profundos que las palabras”. El álbum fue censurado en Argentina, pero se convirtió en un objeto sagrado en las casas de los que se habían ido, y también en las de los que se quedaron, porque en la oscuridad de las salas, cuando se escuchaba “La plaza que olvidó los gritos”, todos sabían a qué plaza se refería.
¿Por qué sigue vigente?
“El mapa de los ausentes” no fue un éxito comercial en su momento, pero su influencia se extendió como una corriente subterránea. En los años noventa, músicos de la nueva generación —de la escena jazzística y de la música contemporánea argentina— comenzaron a citarlo como una referencia fundamental. Compositores como Pablo Ziegler y Lalo Schifrin lo mencionaron en entrevistas como un modelo de cómo la emoción puede construirse sin dramatismo. En 2010, la Biblioteca Nacional de Argentina lo incluyó en su archivo de “Sonidos de la memoria nacional”, reconociéndolo como un documento histórico único. En 2017, la Universidad de Buenos Aires organizó un ciclo de escucha en el que se proyectaba el disco en salas vacías, con sillas alineadas, sin luces, y se pedía a los asistentes que llevaran una foto de alguien que hubieran perdido. Nadie habló. Solo se escuchó el piano, y el eco de los recuerdos.
En la era digital, el disco ha sido remasterizado en formato analógico por un sello independiente de Rosario, que lo lanzó en vinilo limitado, con una portada que reproduce un mapa antiguo de Buenos Aires, donde las calles de los barrios desaparecidos están marcadas con pequeñas cruces. No hay nombres. Solo cruces. El disco no se vende en plataformas masivas. Se entrega en librerías de barrio, en asociaciones de derechos humanos, en espacios culturales que aún resisten el ruido. Y cuando suena, en una noche tranquila, en una casa de la costa, en un departamento del centro, en una habitación de un pueblo del norte, sigue siendo el mismo mapa. No muestra rutas. Muestra ausencias. Y en ese silencio, hay más verdad que en mil discursos.
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